Desde 2015, el programa Foundry de YouTube Music se ha consolidado como un foco iluminador para nuevos talentos, impulsando a más de 250 artistas —incluyendo titanes actuales como Tems y Arlo Parks— a construir carreras sostenibles bajo sus propios términos.

Los artistas independientes seleccionados para el programa Foundry reciben apoyo directo de un partner manager de YouTube, financiamiento semilla para el desarrollo de sus canales, oportunidades de marketing y promoción, y acceso a nuevas herramientas y funciones de YouTube

El pasado 3 de junio la plataforma ha anunciado a los primeros 24 integrantes de la Foundry Class of 2026. ¿La premisa de este año? Romper fronteras físicas y apostar con todo por la narrativa visual.

“El programa Foundry me dio las herramientas y el empujón cuando más lo necesitaba”, recuerda Tems, hoy convertida en una estrella global. Por su parte, la británica Arlo Parks destaca cómo el programa financió su universo estético: “Me dio los recursos para profundizar en ello... el espacio para jugar, expresarme y la guía que ayudó a dar forma a la narrativa visual de Collapsed in Sunbeams“.

Esta nueva generación es la más global hasta la fecha, extendiéndose por 11 países e incluyendo, por primera vez, a embajadores de Polonia y Marruecos, además de marcar un regreso triunfal a la efervescente escena de Corea del Sur.

Los 24 nombres para tener bajo el radar

El mapa sonoro de Foundry 2026 es un rompecabezas de géneros que van desde el trap de favela hasta el lo-fi jazz, pasando por el resurgimiento del pop punk. Aquí están los elegidos:

Las Américas y el Caribe: Fusión y Vanguardia

• Kelela (EEUU): Icono cultural y creadora de tendencias, lista para la siguiente evolución de su sonido que desafía cualquier etiqueta.

• RaiNao (EEUU/Puerto Rico): La nueva joya de la corona boricua, avalada por el mismísimo Bad Bunny, que cruza el pop alternativo, el jazz y las raíces latinas.

• Hamilton (Colombia): Abanderado del Afrobeats latino desde Cartagena, inyectando ritmos costeros al panorama internacional.

• MC Luanna (Brasil): Una fuerza de Bahía que devora el rap, el trap y el funk, cantando desde la perspectiva de las mujeres negras, bisexuales y de la favela.

• Amanda Magalhães (Brasil): Creadora de “memixes” y colages sonoros que unen la tradición brasileña con la electrónica del futuro.

• Franco, The Sir! (Brasil): Con solo 19 años y de formación autodidacta, este productor ya cuenta con el respeto de la élite del trap brasileño.

• Julia Wolf (EEUU): Pop oscuro y afilado que ya ha despertado el interés y las colaboraciones de grandes superestrellas.

• Momo Boyd (EEUU): Miembro de la banda de hermanos Infinity Song, que aquí despliega su voz única entre la música americana, el alternativo y el pop.

• The Paradox (EEUU): Las caras frescas del revival del pop punk, facturando himnos enérgicos para las nuevas generaciones.

Asia: Tradición reimaginada y Revolución Indie

• wave to earth (Corea del Sur): Líderes del indie alternativo que mezclan lo-fi jazz y soft rock en una atmósfera sumamente relajante y global.

• Silica Gel (Corea del Sur): Tres veces ganadores en los Korean Music Awards, rompiendo moldes con su cóctel de rock indie, electrónica y psicodelia.

• HANRORO (Corea del Sur): Una de las voces emergentes más potentes del indie pop/rock, gracias a sus letras cotidianas y paisajes sonoros cinematográficos.

• Antara and Ankita Nandy (India): Un dúo viral del noreste de la India que hace magia percusiva usando ukeleles y utensilios domésticos.

• Garvit-Priyansh (India): La intersección perfecta entre la música clásica india y el pop contemporáneo de Bollywood.

• Damini Bhatla (India): Vocalista de formación clásica que conecta con éxito el cine regional y la escena indie global.

• OutStation (India): Una boyband en ascenso que ha construido una base de fans devota gracias a su química real y directos virales.

Europa y África: De las pistas de baile al ‘Main Character Energy’

• CIZA (Sudáfrica): En la cresta de la ola del Afro House, incendiando clubes nocturnos de todo el mundo con hits virales.

• Draganov (Marruecos): El pionero que está redefiniendo el hip-hop del norte de África a través de producciones oscuras y una identidad visual puramente cinematográfica.

• Wasia Project (Reino Unido): Un brillante dúo de hermanos que redefine el indie pop británico con una sofisticación casi clásica.

• Natanya (Reino Unido): Futura estrella del pop que ya tiene en su lista de admiradores a nombres de la talla de Janet Jackson, SZA y Tyler the Creator.

• MEEK (Reino Unido): Autenticidad cruda y magnética que ya ha conquistado oyentes con su single debut, ‘Fabulous’.

• Soffie (Alemania): Una fuerza del indie-pop que transforma la vulnerabilidad en himnos euforizantes para sentirte el personaje principal de tu propia vida.

• TKS2G (Francia): Talento parisino que inyecta frescura al rap francés mezclándolo con ritmos soleados de shatta y dancehall.

• Zippy Ogar (Polonia): La nueva cara del hip-hop polaco, destacando por sus bases melódicas de alta energía y letras honestas.

Sembrando el futuro: Foundry Rising

YouTube Music no se detiene ahí. Además de la clase principal, la plataforma continuará impulsando a talentos en etapas más tempranas de su carrera a través de la iniciativa Foundry Rising. Artistas como Dangrangto (VT), Ino Casablanca (FR), Martox (DR), Mack Keane (US), Rey Quinto (MX), Ruti (UK), Quiet Light (US) y Vintonic (ID) recibirán herramientas de desarrollo clave para acelerar su crecimiento en la plataforma.

En un ecosistema donde los artistas independientes suelen verse obligados a comprometer su visión para encajar en el molde comercial, el programa Foundry nos recuerda que el futuro de la música no se fabrica en una oficina; se gesta en los dormitorios, las favelas, los estudios caseros y los vídeos de YouTube de quienes se atreven a ser diferentes.

La playlist oficial de Foundry ya está disponible en YouTube Music en este enlace

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La semana pasada, el consejo de administración de Universal dio el no definitivo a la oferta de 64.000 millones de dólares presentada por Bill Ackman y su firma de inversión, Pershing Square Capital.

La postura oficial de Universal fue tajante: la oferta de Ackman “infravalora materialmente” a la compañía y “no generará un valor de creación superior”. Sherry Lansing, presidenta del consejo de UMG, aprovechó el comunicado para blindar públicamente al jefe de la major, Lucian Grainge, mostrando “total confianza” en su equipo para ofrecer un crecimiento sostenible.

Para salir adelante, la oferta de Ackman necesitaba el visto bueno de dos tercios de los accionistas, que incluían a la influyente familia Bolloré, que controla cerca del 28% de Universal (directamente y a través de Vivendi), junto al gigante chino Tencent (dueño de otro 11.4%), quienes al final alinearon posiciones para termian rechazando la oferta.

La paradoja del valor y el dilema del streaming

El rechazo no pilló por sorpresa a los analistas de JP Morgan, quienes recordaron que a los Bolloré no les hace falta liquidez, no quieren perder un ápice de su influencia geopolítica en la industria y prefieren mantener el domicilio fiscal de UMG en suelo europeo, lejos de la inestabilidad regulatoria y los aranceles de la administración Trump. Además, el estilo de Ackman —descrito por la propia familia francesa como “abrupto y rápido”— chocaba frontalmente con la tradicional parsimonia de la aristocracia empresarial del viejo continente.

Sin embargo, al asegurar a los inversores que Universal vale mucho más que los €30.40 por acción que ofrecía Ackman, el consejo de administración se ha condenado a sí mismo a tener que demostrarlo en un mercado bursátil que cotiza con evidente escepticismo.

La desconexión es notable. Hace poco, cuando Universal y Spotify anunciaron sus nuevas funciones de remezclas optimizadas con Inteligencia Artificial, las acciones de Spotify se dispararon de los 430 a casi 530 dólares, mientras que las de Universal quedaron completamente planas. La ironía es que Universal se beneficia económicamente de este subidón gracias a las acciones que posee de la plataforma sueca, justo en el momento en que se dispone a vender parte de ellas. El negocio principal de la música no parece emocionar a Wall Street tanto como la infraestructura tecnológica que la distribuye.

Lo que realmente importa a los inversores: crecimiento real a largo plazo

Durante los últimos años, la estrategia de las tres grandes majors ha sido la de crecer mediante adqusiciones: Universal compró [PIAS], inyectó millones en Chord Music Partners y desembolsó más de 775 millones de dólares por Downtown, adquiriendo la infraestructura por la que transita el grueso de la música independiente global.

Sin embargo, esa vía de expansión monopolística se ha agotado. La compra de Downtown le costó a Universal un año de asfixiantes batallas regulatorias en Bruselas, la furia del sector independiente y la obligación de malvender divisiones para que la Comisión Europea autorizara la operación.

Eso nos deja la vía tradicional, la más difícil: descubrir talento, meterse al estudio y fabricar éxitos. Pero aquí es donde la industria choca contra su propia realidad estructural. Desarrollar nuevos artistas es un negocio carísimo y de altísimo riesgo.

El verdadero motor financiero de las discográficas hoy en día es su catálogo. Los Beatles, Frank Sinatra y el pop del siglo pasado sostienen el edificio. Según datos de la consultora Luminate, el consumo de lanzamientos de catálogo arrasa en las plataformas de streaming, mientras que la escucha de música estrictamente nueva sigue estancada o en declive.

El pasado reciente es tan rentable que hace poco Sony Music tuvo que forzar las reglas de las listas británicas redirigiendo las escuchas del catálogo de Michael Jackson para colocarlo en el número uno coincidiendo con el estreno de su biopic.

El ecosistema actual está inundado por millones de creadores independientes y artistas de formato DIY que suben canciones a diario. El porcentaje de lanzamientos nuevos que controlan las multinacionales mengua cada mes, aunque sus catálogos sigan facturando fortunas en piloto automático. Universal se encuentra en una posición incómoda: sentada sobre un activo que gana valor sin mover un dedo, pero atada a una estructura operativa que cuesta millones mantener simplemente para no perder el paso.

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El 15 de abril de 2026, un jurado federal compuesto por nueve ciudadanos de Nueva York emitió un veredicto histórico que califica legalmente al gigante del entretenimiento Live Nation Entertainment y a su filial Ticketmaster como un monopolio ilegal.

Esta decisión representa un rechazo contundente a la fusión de 2010 que unió al promotor de conciertos más grande del mundo con la plataforma de ticketing dominante.

Aunque el jurado ya determinó la responsabilidad de la empresa, la decisión de las sanciones y remedios recae exclusivamente en el juez de distrito Arun Subramanian.

A diferencia de la mayoría de los litigios antimonopolio, que solo buscan remedios conductuales o estructurales, los estados solicitaron una compensación económica. El jurado validó el modelo financiero presentado por la perita experta Rosa M. Abrantes-Metz, que calculó los daños en $1.72 dólares por entrada en 257 recintos durante los últimos cinco años.

Mientras que Live Nation argumenta que los daños base ascien…

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Lo que comenzó como una disputa sobre los límites de la tecnología y la propiedad intelectual ha escalado rápidamente hasta convertirse en una guerra de desgaste financiero.

Las discográficas principales están desplegando una estrategia multifacética: por un lado, elevan exponencialmente las posibles indemnizaciones por daños y perjuicios en los tribunales para asfixiar económicamente a las startups; por otro, utilizan el descubrimiento de pruebas judiciales para desmantelar las defensas legales de la IA y escudriñar los movimientos de sus competidores.

Este análisis examina las dinámicas de esta contienda, el impacto de los acuerdos de licencia selectivos y las implicaciones a largo plazo para el ecosistema musical global.

Una suma imposible de pagar

El movimiento estratégico más reciente y agresivo por parte de Sony Music y Universal Music ha sido la solicitud formal ante los tribunales estadounidenses para expandir drásticamente la lista de grabaciones supuestamente copiadas sin lice…

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Cuando pensamos en el lavado de dinero, la ficción nos ha enseñado que se necesita un negocio físico que maneje grandes volúmenes de dinero en efectivo: un lavadero de autos, un casino o un club nocturno. En el mundo del streaming musical no existe el cash, todo es digital. Entonces, ¿cómo es posible lavar dinero en Spotify?

La realidad es que el fraude en el streaming ha evolucionado. Hoy en día no solo nos enfrentamos al blanqueo de capitales provenientes del crimen organizado, sino a un fenómeno emergente e igualmente peligroso para los creadores: el copyright laundering (o blanqueo de derechos de autor).

A continuación, analizamos cómo funcionan estos dos esquemas que ponen en jaque el modelo de negocio de la industria musical.

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La era de la abundancia musical ha alcanzado su punto de ruptura. Durante la última década, el principal desafío de los servicios de streaming fue la distribución y el descubrimiento: cómo conectar a millones de oyentes con un catálogo global en constante expansión.

Hoy, ese paradigma ha cambiado drásticamente. En un ecosistema saturado por más de 100,000 nuevos lanzamientos diarios, donde la inteligencia artificial generativa permite expandir catálogos, clonar voces y fabricar identidades artísticas a velocidad de máquina, el problema central es la autenticidad: ¿cómo saber si el artista que estamos escuchando es humano o sintético?

En respuesta a esta crisis de identidad digital, Spotify ha introducido su nuevo distintivo “Verified by Spotify” (Verificado por Spotify). A primera vista, la adición de una insignia verde junto al nombre de un artista en los resultados de búsqueda puede parecer un cambio de diseño menor, sin embargo, para algunos, este movimiento representa una transform…

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El anuncio conjunto emitido este jueves 21 de mayo por Spotify y Universal Music Group (UMG) representa un punto de inflexión definitivo en la turbulenta relación entre la inteligencia artificial generativa y los derechos de autor.

Tras años de litigios, debates éticos y resistencia corporativa ante las herramientas que clonan voces o reescriben composiciones sin autorización, la mayor plataforma de streaming del planeta y el sello discográfico dominante de la industria global han decidido que la mejor forma de combatir la marea es tomar el control.

El acuerdo estratégico permitirá a los usuarios de Spotify Premium acceder a herramientas de inteligencia artificial generativa para crear covers y remixes personalizados de las canciones de los artistas pertenecientes al catálogo de UMG.

Lejos de ser una funcionalidad recreativa gratuita, esta suite se lanzará como un complemento de pago (add-on), delineando una audaz vía de ingresos adicionales que redefine el rol del oyente tradicional,…

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Ahora bien, durante la parte final del webinar, los analistas de MIDiA presentaron una serie de playbooks, o manuales de supervivencia ante la presencia de la IA en la música, algo que ya es una realidad inescapable.

Para sobrevivir y liderar en este nuevo territorio financiero y cultural, cada uno de los actores tradicionales del sector debe abandonar las recetas del pasado y adoptar un enfoque proactivo.

Para el sector de la Creación

El flujo de trabajo tradicional (componer en papel, grabar instrumentos, mezclar en consola, masterizar en estudio y lanzar) se ha roto de forma definitiva. Nos encontramos en una era post-instrumento y post-DAW.

Las empresas t…

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El negocio de la música se encuentra en medio de una mutación celular. No estamos ante una simple evolución de formatos; estamos frente a un momento Napster nuevamente, pero a la décima potencia. Una reconfiguración absoluta de los roles de quienes crean, quienes consumen y quienes financian la creación musical.

Apenas han pasado tres años desde aquel momento en mayo de 2023, cuando apareció “Heart on My Sleeve”, el tema clonado con Inteligencia Artificial que simulaba las voces de Drake y The Weeknd. De un día para otro el track acumuló millones de reproducciones antes de ser retirado de las plataformas, pero no sin lograr que la industria discográfica entrara en un pánico existencial.

La reacción inmediata de los sellos multinacionales y las editoriales fue la esperada: activar sus ejércitos de abogados y desatar una oleada masiva de litigios por infracción de derechos de autor contra las plataformas de IA generativa.

Sin embargo, a diferencia de la crisis de Napster en los años 2000,…

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Es lo que utilizan las marcas para influir en nuestras emociones, identidad y cultura.

Es una de las tácticas de las grandes industrias para dar forma a nuestros hábitos de consumo y con frecuencia acabamos comprando lo que se nos muestra una y otra vez.

Pero por lo general, cuando se trata de productos masivos, esto no es difícil de identificar.

Algo muy distinto y sutil sucede cuando una celebridad, cantante o influencer utiliza esta técnica para convertirse en algo más que un nombre y convertirse en un ícono.

En este vídeo te cuento 3 técnicas de Branding Semiótico que utilizan artistas como Charli XCX, Sabrina Carpenter y Taylor Swift para construir sus marcas personales y conectar efectivamente con sus audiencias:

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En algún momento de la última década, la palabra branding dejó de pertenecer exclusivamente al vocabulario corporativo para convertirse en una de las obsesiones centrales de la industria musical. Lo que antes parecía reservado a refrescos, marcas deportivas o automóviles ahora forma parte del día a día de artistas, managers, sellos y agentes de marketing.

Pero ¿qué significa realmente construir una marca artística en 2026? ¿Hasta qué punto el branding amenaza la autenticidad? ¿Y cómo puede un artista sobrevivir en un ecosistema dominado por algoritmos, contenido constante y plataformas que exigen presencia permanente?

Esas preguntas atravesaron un panel dedicado al artist branding durante la 1º edición de Lisbon Dance Summit, en el que participaron la DJ y productora portuguesa Mayan, Kathleen O’Malley, directora internacional de Ultra Records/Sony Music, Joe Aboud, fundador de la compañía estadounidense 444 Sounds, y el productor y DJ danés Nandu. Lo q…

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La industria musical vuelve a enfrentarse a una de esas disrupciones que redefinen sus cimientos. Si el streaming cambió para siempre la forma en que se consume música, la inteligencia artificial (IA) ya ha transformado la forma en que se crea, distribuye y monetiza. Lo que todos debatimos diariamente es cómo convivir con ella.

En un panel durante la 1º edición de la Lisbon Dance Summit, un grupo de profesionales conformado por Paul Wiltshire de Songtradr, Dani Deahl de BandLab, y Ralph Boege de Paradise Worldwide, moderado por Olivier Rosset de Sounds Like Now, ofrecieron una radiografía compleja, contradictoria y profundamente reveladora sobre la IA en la creación de música.

La nueva generación ya está creando con IA

Uno de los datos más reveladores del debate tiene que ver con quién está utilizando la IA: los jóvenes. Plataformas como BandLab, una DAW móvil con más de 200 millones de usuarios, muestran que la nueva generación de creadores no solo acepta la IA, sino que la integra de …

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En la era digital, la distribución musical ha dejado de ser un simple proceso logístico para convertirse en el núcleo estratégico de la carrera de muchos artistas. Como se discutió en el reciente panel “Distribution and What it Means for You and Your Music” durante la 1º edición de la Lisbon Dance Summit, la distribución toca cada aspecto de la vida de un músico: desde cómo se le paga y cómo es descubierto, hasta en qué mercados puede competir y qué datos recibe a cambio de su arte.

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La Fragmentación del Mercado de Distribución

El panorama actual se divide fundamentalmente en dos sectores:

• Autodistribución (DIY): Plataformas como TuneCore o DistroKid, que permiten subir música de forma masiva y económica. Sin embargo este modelo a menudo deja al artista “en el agua”, librado a la suerte sin una asociación profunda o apoyo estratégico.

• Servicios con Valor Añadido: Empresas que trabajan bajo un proceso de selección y ofrecen una relación cercana, similar a la de un sello discográfico, entend…

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En un momento clave para la industria musical, Universal Music Group (UMG) ha decidido ejecutar una jugada estratégica que combina ingeniería financiera, presión del mercado y narrativa pro-artista.

La compañía anunció la venta de la mitad de sus acciones en Spotify para financiar la ampliación de su programa de recompra de acciones hasta los 1.000 millones de euros. Más allá de los titulares, la operación revela tensiones profundas: entre valor percibido y valor real, entre inversores y artistas, y entre el pasado del streaming y su futuro.

Resultados sólidos… distorsionados

A primera vista, los resultados del primer trimestre de UMG podrían parecer decepcionantes: ingresos planos en 2.900 millones de euros y un EBITDA ajustado en descenso del 3,8%, hasta los 636 millones. Sin embargo, estos números esconden una realidad más compleja. En términos de tipo de cambio constante, los ingresos crecieron un 8,1%, mientras que el EBITDA aumentó un 3,9%.

El principal culpable de esta aparente co…

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Durante la primera edición de la Lisbon Dance Summit, dos figuras prominentes de la escena electrónica actual, Víctor Ruiz y Kura, con la moderación de Alexandra Huma, compartieron sus experiencias tras casi dos décadas de trayectoria profesional.

A través de sus relatos, emerge una visión honesta sobre lo que significa ser un artista global en la década de 2020: desde la importancia de la ubicación geográfica hasta el impacto de las redes sociales en la salud mental, pasando por la evolución de los procesos creativos y la gestión de la identidad personal.

El Factor Geográfico: ¿Importa dónde vives?

Históricamente, se ha creído que para triunfar en la música electrónica es imperativo residir en centros neurálgicos como Berlín o Ámsterdam. Sin embargo, la experiencia de Kura y Víctor Ruiz en Lisboa sugiere un cambio de paradigma.

Conexiones locales y cultura musical

Kura destaca que, aunque en sus inicios en Portugal la cultura electrónica no era masiva, el lugar de residencia es crucial pa…

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El gigante sueco del streaming musical presentó este martes sus resultados del primer trimestre de 2026, en los que demuestra su continuo crecimiento y aceleración, con ingresos de 4.500 millones de euros y 761 millones de usuarios activos mensuales, un 12% más que hace un año, superando incluso las previsiones propias de la compañía, que apuntaban a 759 millones.

Según el reporte, el crecimiento se concentra geográficamente en los países clasificados como Rest of World, que agrupa mercados emergentes de Asia, África y Oriente Medio, un segmento que ya representa el 37% de los usuarios totales, frente al 33% que suponía en el primer trimestre de 2022. Por su parte Europa ha visto reducir su peso relativo del 33% al 25% en ese mismo período.

Entre esos 761 millones, 293 millones son suscriptores Premium, un 9% más interanual y en línea con las previsiones de la compañía. El restante medio millardo, 483 millones de usuarios, accede a la plataforma de forma gratuita, en su versión financiada por publicidad.

En cuanto a las finanzas, Spotify generó ingresos totales de 4.533 millones de euros en el trimestre, un 8% más que el año anterior en términos reportados, y un notable 14% más si se elimina el efecto de los movimientos de divisas —el euro se ha apreciado frente al dólar y otras monedas, erosionando la conversión de ingresos extranjeros—.

El margen bruto alcanzó el 33%, un máximo histórico para un primer trimestre y 133 puntos básicos por encima del mismo período de 2025. Para entender la magnitud de esta mejora, hay que recordar que hace apenas cuatro años el margen bruto de Spotify rondaba el 25%. La compañía ha conseguido lo que muchos analistas consideraban casi imposible: crecer a doble dígito en usuarios mientras mejora simultáneamente su rentabilidad por usuario.

El beneficio operativo fue de 715 millones de euros, un 40% más interanual y por encima de los 660 millones que la propia empresa había pronosticado. El margen operativo se situó en el 15,8%, otro récord. Y el free cash flow, es decir, el dinero real que genera el negocio tras inversiones, llegó a 824 millones de euros en el trimestre, llevando el acumulado de los últimos doce meses a la impresionante cifra de 3.200 millones de euros.

Vale la pena subrayar un detalle que pasa desapercibido en los titulares: Spotify cerró el trimestre con 8.800 millones de euros en caja y equivalentes. No es una startup hambrienta de financiación externa; es una empresa que genera dinero a espuertas y puede financiar su expansión con recursos propios.

El segmento publicitario cayó un 5% interanual en ingresos, hasta los 385 millones de euros. Es el punto débil del trimestre, y la compañía lo reconoce sin eufemismos.

La caída se explica en parte por el efecto de las divisas: en moneda constante, los ingresos publicitarios crecieron un 3%. Pero incluso ajustado, el avance es modesto comparado con el dinamismo del negocio Premium. La publicidad digital atraviesa un período de transformación global con la irrupción de la inteligencia artificial en las plataformas publicitarias, los cambios regulatorios en materia de privacidad y la fragmentación de la atención del consumidor. Estos factores complican la monetización y Spotify no es inmune a estas presiones.

Más allá de los números, el trimestre ha estado marcado por un ambicioso despliegue de funcionalidades basadas en inteligencia artificial que redefinen la experiencia del usuario. La compañía lanzó en beta Taste Profile en Nueva Zelanda, una herramienta que muestra a los usuarios cómo Spotify interpreta sus hábitos de escucha y les permite afinar activamente sus preferencias. Es un paso importante hacia la personalización bidireccional: no solo el algoritmo aprende del oyente, sino que el oyente puede moldear al algoritmo.

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Igualmente significativa es la expansión de Prompted Playlist a Estados Unidos y Canadá, que permite a los suscriptores Premium describir con sus propias palabras exactamente lo que quieren escuchar. La función se extiende además a los podcasts, abriendo nuevas posibilidades de descubrimiento en ese formato.

A estas novedades se suma SongDNA, lanzada globalmente en beta para usuarios Premium. Esta función permite explorar la red de escritores, productores, colaboradores, samples e interpolaciones que hay detrás de cualquier canción. Y About the Song añade tarjetas informativas deslizables que contextualizan las pistas mientras suenan.

En el universo de los audiolibros, la apuesta más reciente de la compañía por diversificar más allá de la música y los podcasts,, Spotify lanzó las Audiobook Charts en Estados Unidos y Reino Unido, clasificaciones semanales de títulos populares por género. El movimiento es estratégico: la misma mecánica de descubrimiento que funcionó con la música se traslada al libro hablado.

De cara al segundo trimestre, la empresa proyecta 778 millones de usuarios activos mensuales —17 millones más que ahora—, 299 millones de suscriptores Premium y unos ingresos de 4.800 millones de euros. El margen bruto esperado es del 33,1% y el beneficio operativo se sitúa en 630 millones de euros, por debajo del Q1 pero condicionado por una mayor carga de impuestos ligados al precio de la acción y la estacionalidad habitual del segundo trimestre.

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En el ecosistema de la música digital, donde las fracciones de centavo por streaming son la norma y la frustración de los artistas independientes es el pan de cada día, Tidal, la plataforma que nació bajo la promesa de priorizar la calidad sonora y el respeto al creador, ha dado un golpe sobre la mesa: el lanzamiento de ventas directas al fan (D2F) con un reparto de ingresos del 90/10.

El modelo 90/10: Mucho más que una cifra

Hasta ahora, Tidal era visto como un competidor “boutique” en la guerra de los DSP (Digital Service Providers), luchando a la sombra de gigantes como Spotify o Apple Music. Sin embargo, al permitir que los artistas en Estados Unidos suban sus álbumes, fijen sus propios precios y retengan el 90% de las ganancias, Tidal está saltando por encima de los distribuidores tradicionales y las agregadoras.

La propuesta es agresiva. Mientras la plataforma bandera del sector independiente, Bandcamp cobra una comisión del 15% por ventas digitales (que solo baja al 10% tras alcanzar los 5,000 dólares anuales), Tidal entra directamente con la tarifa reducida del 10%. En un mundo donde cada dólar cuenta para financiar una gira o una masterización, ese 5% de diferencia es un argumento de peso.

Una experiencia sin barreras

Lo más interesante de esta integración es la eliminación de la fricción para el usuario. Los fans pueden comprar y descargar archivos con la alta fidelidad distintiva de Tidal para usarlos en sus dispositivos o reproducirlos directamente en la app. Y la guinda del pastel es que no se requiere suscripción.

Tidal está abriendo sus puertas a quienes no quieren pagar una mensualidad, pero sí desean poseer la obra de su artista favorito. Es un retorno romántico y práctico a la propiedad digital, gestionado a través de un panel de control intuitivo y pagos instantáneos vía Stripe. No hay esperas, no hay intermediarios opacos; solo el artista, su música y su audiencia.

Tidal ha sido tajante en sus términos: el artista debe poseer el 100% de los derechos de la grabación y de la composición subyacente. En la era del sampling masivo y los covers virales, la plataforma se cura en salud prohibiendo cualquier contenido que no tenga licencias claras. Es un recordatorio de que, aunque la distribución se democratice, la propiedad intelectual sigue siendo el pilar de la industria.

¿Otro síntoma del fin de la era del streaming?

Este movimiento revela una verdad incómoda para las grandes plataformas: el modelo basado exclusivamente en algoritmos y listas de reproducción está mostrando signos de agotamiento para la clase media de músicos. Los artistas ya no solo buscan “alcance”, buscan sostenibilidad.

Al diversificar sus ingresos más allá de los royalties por reproducción, Tidal se posiciona no solo como una aplicación de música, sino como una herramienta de negocio para el sector independiente.

¿Cómo responderá Bandcamp ante este desafío a su soberanía? Y más importante aún, ¿seguirán Spotify y Apple este camino o continuarán apostando por un modelo de centavos que cada vez convence a menos creadores?

Por ahora, los artistas tienen una nueva y poderosa arma en su arsenal. Y en esta batalla por el valor de la música, el 90/10 parece ser la nueva cifra de la libertad.

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La industria musical se enfrenta a un cambio de paradigma que no tiene marcha atrás. Lo que hace apenas un año parecía una curiosidad aislada, como la canción generada por IA que imitaba a Drake y The Weeknd, se ha transformado hoy en una marea imparable que amenaza con inundar los servidores de las plataformas de streaming.

Nuevas cifras reveladas por Deezer pintan un panorama casi distópico: la plataforma recibe actualmente cerca de 75.000 pistas sintéticas cada día. Esto significa que más de 2 millones de canciones generadas íntegramente por IA aterrizan en su catálogo mensualmente. Para ponerlo en perspectiva, la música generada por inteligencia artificial ya representa más del 44% de todos los lanzamientos diarios en el servicio.

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Lo que se anunció como el gran retorno internacional del rapero más influyente y más controversial de su generación se ha convertido en un ejercicio de cartografía inversa: un mapa donde lo que se marca no son las ciudades que se visitan, sino las que cierran sus puertas una tras otra, con una velocidad y una contundencia que no tiene precedentes en la historia reciente del negocio musical.

Lo que prometía ser una ambiciosa gira por Europa para promocionar su nuevo álbum Bully se ha transformado en una serie de cancelaciones, vetos y rechazos institucionales que ponen en riesgo su presencia en el continente. En menos de un mes, cuatro países han dicho que no. Y la pregunta que se instala en el ambiente no es si habrá más, sino cuántos quedarán en pie.

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